Um filme com uma mensagem simples… mas necessária.
Veteranos da indústria mostram o significado da rebeldia.
The Ballad Of Buster Scruggs
Uma história clássica de ascensão ao estrelato.
Num mundo pragmático e materialista, quão longe iríamos por um rasgo de poesia?
Título original: The Kindergarten Teacher (EUA – 2018)
Realizador: Sara Colangelo
Argumento: Sara Colangelo, baseado no filme de Nadav Lapid
Actores: Maggie Gyllenhaal, Gael García Bernal, Parker Sevak
Os americanos são carinhosamente conhecidos por ter a mania de americanizar tudo, especialmente os filmes. São inúmeros os remakes que pecam por não trazer nada de novo à história original… Porém, este não é o caso com “A Educadora de Infância”.
A história é essencialmente a mesma que o filme original: “Haganenet”, pelo israelita Nadav Lapid, com apenas algumas alterações pontuais e óbvias, adaptadas ao cenário de Nova Iorque. É como se de um mesmo livro se tivessem produzido duas obras de arte distintas, duas interpretações. O filme de 2014 é mais cru, mais europeu, a cinematografia é menos cliché e foca-se na câmara que acompanha as personagens como se alguém com um telemóvel as seguisse para todo o lado. É mais abstrato: ouvem-se os ecos das salas vazias, os silêncios e os passos no chão de pedra. Com esta nova versão, o ambiente é mais suave, menos parado. É a música que convida às emoções, os planos são mais abertos e a história flui melhor.
Lisa (Maggie Gyllenhaal) é uma educadora de infância comum que quer ser poetisa. Porém falha. Nas suas olheiras, tão profundas quanto a sua frustração, lê-se uma tristeza inerente de não conseguir alcançar o que considera um mundo ideal. Um mundo em que as pessoas procuram o belo, têm curiosidade, apreciam arte e idolatram poetas. É então que descobre que um dos seus alunos tem um talento nato. Jimmy (Parker Sevak), apesar de ainda nem saber ler, cria poesia e declama como se possuísse uma alma ancestral e entendesse sobre coisas mais avançadas do que a sua tenra idade. Nasce aqui uma obsessão que é acentuada pelo facto de Lisa observar que os que rodeiam a criança-prodígio não reparam ou não querem saber do seu dom: um pai demasiado ocupado, uma mãe ausente e uma babysitter negligente. Considera-o como um novo Mozart e quer (precisa!) de ajudá-lo a explorar todo o seu potencial.
A prestação de Maggie Gyllenhaal é sublime. A atriz consegue representar na perfeição esta mulher que aspira por ser especial, por ser mais do que uma simples educadora de infância. Uma mulher de olhos tristes, fala doce e bem articulada. Uma mulher desiludida e já vazia por dentro que vê no pequeno Jimmy a esperança de um mundo em que a Arte é rainha.
É um filme complexo, que nos deixa ansiosos. Há um perigo eminente que nos inquieta, que nos faz temer pela criança. Perguntamo-nos ansiosamente até onde pode ir a doce (mas cada vez mais irracional) educadora de infância para proteger o dom do diminuto e frágil menino.
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Crítica - Catarina Loureiro
5.0
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Uma celebração da música num filme mediano.
Como fazer o importante sem esquecer o divertido.
Quantas vezes terá Emily Blunt visto a “Mary Poppins” de Julie Andrews, para conseguir tão fantástica mimese?
Título original: Mary Poppins Returns (EUA – 2018)
Realizador: Rob Marshall
Argumento: David Magee, Rob Marshall, John DeLuca, P.L. Travers
Protagonistas: Emily Blunt, Lin-Manuel Miranda, Ben Whishaw
Quando a Disney anunciou um novo filme de Mary Poppins, percebemos que não seria um remake nem uma reinterpretação de um dos seus mais bem sucedidos e premiados clássicos, mas sim a continuação das aventuras da ama que voa pelos céus de Londres com a ajuda de um guarda-chuva que fala. A escolhida para interpretar uma das mais inesquecíveis personagens do cinema foi Emily Blunt, uma das mais versáteis atrizes dos nossos tempos: tão depressa está a protagonizar filmes de terror (“Um Lugar Silencioso”, 2018), ou dramas, como “A Rapariga no Comboio” (2016), como a contracenar com Tom Cruise em filmes super exigentes fisicamente (“No Limite do Amanhã”, 2014). E como se não fosse suficiente, tem ainda talento para a comédia, como pudemos comprovar em “Espera Aí… Que Já Casamos” (2012), onde contracenou com o impagável Jason Segel.
E Emily Blunt não podia ter correspondido melhor às expectativas: como o que se pretendia era uma sequela das aventuras de Mary Poppins, a atriz britânica foi buscar todos os maneirismos e sorrisos misteriosos da personagem que nos apaixonou no filme de 1964, e tornou a sua Mary Poppins numa magnífica homenagem a Julie Andrews. O resultado é um filme carregado de nostalgia e bons momentos, especialmente para quem ainda canta “Supercalifragilisticexpialidocious” quando não tem nada para dizer.
Mas desengane-se quem pensar que o papel de Emily é apenas imitar o trabalho da diva Julie Andrews: a atriz britânica consegue deixar o seu cunho pessoal na personagem. Talvez porque a história se passe muitos anos depois do original, a Mary Poppins de Emily Blunt parece agora menos ingénua, e muito mais segura de si e dos seus mil e um talentos. Há, também, no olhar da Mary Poppins de Emily Blunt, uma confiança e magnetismo que não encontrávamos – ou pelo menos, não na mesma medida –, na bondosa e simples Mary Poppins de Julie Andrews.
Além da fantástica prestação de Emily Blunt, “O Regresso de Mary Poppins” merece a nossa visita ao cinema pela incrível experiência que nos oferece enquanto musical. É sem dúvida um “feel good movie” (como o original), onde ninguém resiste ao encantamento dos mundos mágicos de Mary Poppins, assim como às suas coreografias e músicas – que ficam no ouvido durante horas e horas depois do fim do filme. Com realização de Rob Marshall, talentoso realizador de filmes do género – como o premiado “Chicago” (2002) ou “Nove” (2009) –, enquanto musical “O Regresso de Mary Poppins” é um espetáculo imperdível, especialmente para amantes deste estilo. O facto de terem ido buscar uma das mais incríveis descobertas da Broadway, Lin-Manuel Miranda (protagonista da tão falada peça “Hamilton”), terá certamente ajudado.
Lin-Manuel Miranda é Jack, um acendedor de candeeiros de rua, que vem preencher o papel de companheiro de aventuras de Mary Poppins – que no primeiro filme era Bert (Dick Van Dyke). Tal como a personagem do filme original, Jack vem para dançar e cantar com Mary Poppins, o que não podia sair de forma mais natural para um ator da Broadway. Contudo, sentimos falta dos gag moments e caretas que celebrizaram Dick Van Dyke como Bert, que faziam rir miúdos e graúdos. Lin-Manuel Miranda é um “animal” de palco e a sua prestação é ótima, mas não tão cómica como nos habituámos que fosse o parceiro de loucuras de Mary Poppins. Por outro lado, muitas vezes o talento de Lin-Manuel Miranda parece ofuscar Emily Blunt, sendo-lhe concedido até mais tempo de protagonismo do que seria esperado de uma personagem secundária. De facto, após várias músicas e danças interpretadas por Jack, sentimos vontade de espreitar o bilhete de cinema para confirmar se o título do filme não será “O Regresso de Mary Poppins e a estreia de Lin-Manuel Miranda num musical da Disney”. Mas tudo bem.
Com uma narrativa escorreita e divertida, este filme é mais um projeto sucedido para a gigante criada por Walt Disney. Uma forma de recuperar a magia dos clássicos, oferecendo aos mais pequenos a sua primeira aventura pelos mundos de Mary Poppins, e aos mais velhos, uma imensa nostalgia dos tempos de infância. O desafio, depois de ver “O Regresso de Mary Poppins”, é resistir a rever “Mary Poppins” logo de seguida. Posso confessar que não consegui (e diverti-me como da primeira vez, com as aventuras de Julie Andrews e Dick Van Dyke).
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Crítica - Fátima Casanova
3.5
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Viagem ao centro da criatividade.
Título original: Spider-Man: Into the Spider-Verse (EUA – 2018)
Realizador: Bob Persichetti, Peter Ramsey, Rodney Rothman
Argumento: Phil Lord, Rodney Rothman
Protagonistas: Shameik Moore, Jake Johnson, Hailee Steinfeld
Quando este filme foi anunciado, eu estava já convencido à partida. O Homem-Aranha sempre foi o meu super-herói favorito e qualquer história que o envolva vai-me sempre chamar. Depois vi o trailer e fiquei completamente em pulgas com a promessa de imaginação que prometia. Entrei no cinema em grande antecipação. Sai da sala com um sorriso de orelha a orelha. Mais do que apenas mais um bom capítulo na recente história da Marvel no cinema, “Homem-Aranha: No Universo Aranha” é um dos filmes mais criativos que vi nos últimos tempos.
A história é complexa, mas é tão bem contada que nunca corre o risco de se tornar confusa. Essencialmente, acompanhamos a história de origem de Miles Morales (Shameik Moore), um adolescente nova-iorquino inteligente, criativo e completamente perdido no mundo que, após ser mordido por uma aranha radioativa, se transforma no novo Homem-Aranha. Um dia normal, portanto.
Ao mesmo tempo, uma experiência secreta promovida pelo vilão Kingpin (Liev Schreiber) causa uma disrupção no universo e cruza vários universos paralelos, trazendo, para o mundo de Miles Morales, uma panóplia de diferentes versões do Homem-Aranha.
Entre estes, contam-se uma versão trintona e desencantada de Peter Parker (Jake Johnson), a sempre cool Gwen Stacy, ou Spider-Woman (Hailee Steinfeld), Spider-Man Noir (Nicolas Cage), diretamente dos anos 30 e sempre a preto e branco, a futurística e deliciosamente anime Peni Parker (Kimiko Glenn), acompanhada do seu robot, e o inigualável Peter Porker, ou Spider-Ham (John Mulaney), uma versão do famoso super-herói em forma de… bem, de porco. Sim, é esse tipo de filme.
Todos os atores de vozes fazem um excelente trabalho, mas tem de ser dado o devido destaque aos dois protagonistas. Shameik Moore imbui camadas profundas de vulnerabilidade na sua caracterização de Miles Morales, em especial na complicada relação que mantém com o pai, o polícia Jefferson Davis (Brian Tyree Henry). Do outro lado da moeda, temos Jake Johnson como o Homem-Aranha “original”, numa profunda depressão depois de ter acabado com Mary Jane (no seu mundo) e que se vê forçado a encontrar de novo o seu heroísmo para impedir o plano alucinado e perigoso de Kingpin.
A grande estrela do filme é, no entanto, a animação. A Nova-Iorque de Morales é uma fusão entre a fluidez da animação perfeita em 3-D com rasgos de cor que fazem lembrar, a espaços, as tintas de um graffiti, o pontilismo típico das revistas de BD à antiga e o frenesim electrónico e distorcido de uma realidade a ser sufocada por outras dimensões. Juntamos a isto os diferentes estilos de animação de cada uma das versões do nosso herói e temos aqui o que devia ser uma enorme salganhada. Mas não é. Nunca é. Mesmo nos momentos mais caóticos de batalha, a incansável inventividade do estilo visual nunca afasta o espetador da narrativa. Apenas a realça. E melhora.
Vou parar por aqui antes de correr o risco de começar a revelar demasiado sobre o filme e estragar as várias (óptimas) surpresas que ele nos oferece, terminando com uma nota sobre outro dos pontos mais fortes de “Homem-Aranha: No Universo Aranha” – o seu sentido de humor. Um filme de super-heróis com piada é tudo menos uma novidade (principalmente no Universo Marvel) mas este é um pouco diferente. Mais do que apenas se apoiar em tiradas sarcásticas, o humor aqui é mais inocente e emocional. Cada riso que nos rouba está fundado nos laços que criamos com as personagens. Uma decisão tão ou mais arrojada que os seus fantásticos floreados visuais.
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Crítica - Pedro Quedas
4.5
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“Na vida, há os cretinos, e os mortos” – de que lado queremos estar?
Título original: Bird Box (EUA, 2018)
Realizador: Susanne Bier
Argumento: Eric Heisserer, Josh Malerman
Protagonistas: Sandra Bullock, Trevante Rhodes, John Malkovich
Não podia deixar de começar esta crítica sem a deixa mais forte do filme – e que só podia ter sido proferida pela personagem de John Malkovich, o eterno “cretino” dos filmes de Hollywood. A verdade é que, ao longo de anos de filmes de terror norte-americanos, já percebemos que os bons da fita são sempre tramados pelos outros – mas não conseguimos deixar de torcer por eles.
Sandra Bullock, a protagonista de “Bird Box” (mais uma grande produção da Netflix), não é a típica heroína destes filmes. Aqui, a estrela de “Gravity” interpreta Malorie, uma mulher fria e distante, tão focada na sua arte que passa os dias fechada em casa, a pintar quadros (que nunca acaba), e cujo único contacto com o mundo é Jessica (Sarah Paulson), a irmã, que, apesar da falta de afetos da outra, continua a visitá-la e a encher-lhe o frigorífico (e a lembrar-lhe de telefonar à mãe). A passar pelo fim de uma relação, e com uma gravidez indesejada, Malorie prefere fugir do mundo a enfrentar os seus problemas – portanto, nada o estereótipo de heroína.
Mas quando, de súbito, uma inexplicável vaga de suicídios chega aos Estados Unidos (depois de ter começado na Europa e na Ásia), Malorie não tem escolha senão agir. Refugia-se em casa de desconhecidos, quando se começa a perceber que o mundo foi invadido por “criaturas” misteriosas, que levam a pensamentos e atos psicóticos a quem as observa. Tapam-se todas as janelas e recolhem-se os sobreviventes em casa – até não haver mais mantimentos.
E é aqui que regressamos à deixa com que comecei a crítica. John Malkovich é Douglas, um advogado cínico e sem escrúpulos, que se dedica a processar os vizinhos por tudo e por nada, e que prefere salvar-se a si mesmo antes de salvar os outros. Tal como a personagem principal deste filme, pensamos nós. Mas, e tentando evitar os spoilers, a ameaça que paira nos céus é afinal o impulso de que Malorie precisava para sair da sua clausura emocional auto-imposta e começar a ligar-se aos outros. É nesta altura que percebemos que, mais do que um filme de terror e sci-fi, “Bird Box” é também um poderoso ensaio sobre o comportamento humano, que só uma situação-limite pode testar – e muitas vezes levar à mais necessária e imperativa transformação de si mesmo.
Talvez para compreender a mudança de Malorie, Susanne Bier, realizadora de filmes como “Serena” (2014) ou “Tudo o que perdemos” (2007), tenha optado por uma lógica narrativa não-linear, contando esta história através de analepses e prolepses constantes, de modo a que possamos comparar o passado e o futuro destas personagens. Embora às vezes possa ser confuso, é quase sempre uma forma eficaz de colocar em prática a velha máxima “Show, don’t tell”, já que, como vamos tendo vislumbres dos próximos passos das personagens, as nossas perguntas são respondidas praticamente no momento em que as colocamos.
Por isso, e pela brilhante construção das personagens no filme (sendo Malorie o exemplo mais expressivo), “Bird Box” não deve escapar dos radares dos Óscares este ano, provando mais uma vez que a Netflix está decidida a mudar o paradigma do cinema, pois os grandes filmes também já estreiam no sofá lá de casa.
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Crítica - Fátima Casanova
3.5
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O mundo necessita de um herói, outra vez… Who you gonna call? Fish-boy!
Título original: Aquaman (USA – 2018)
Realizador: James Wan
Argumento: David Leslie Johnson-McGoldrick, Will Beall
Actores: Jason Mamoa, Amber Heard, Willem Dafoe
De criança queria ser muitas coisas e cada vez que jogávamos ao “o que queres ser quando fores grande”, as respostas eram várias: bailarina, Indiana Jones, bibliotecária, Macgyver, Lois Lane ou correr ao lado de Mitch Buchannon em câmara lenta. Mas quando o jogo era “se pudesses escolher um super poder” já a resposta era constante: respirar debaixo d’água e poder falar com os peixinhos, como a Menina do Mar de Sophia de Mello Breyner Andresen ou a Pequena Sereia do autor curiosamente de apelido parecido, Hans Christian Andersen, mas a versão menos dramática da Disney, claro. Foi então com entusiasmo que abracei os primeiros trailers deste herói subaquático. Porém o filme, propriamente dito, deixou um pouco a desejar.
Depois dos acontecimentos do filme de 2017, Justice League, volta Arthur Curry (Jason Momoa) à sua vida de comum mortal by day e herói dos mares by night. Temos um vislumbre da história dos seus pais, o simples faroleiro Tom Curry (Temuera Morrison) e a rainha Atlanna (Nicole Kidman) e uma curta backstory de como veio a descobrir os seus poderes em criança.
O vilão toma forma no seu meio-irmão, o King Orm (Patrick Wilson) que planeja comandar um exército dos sete mares contra o mundo da superfície. O Reino da Atlântida está cansado de como tratam os oceanos e o astuto rei decide usar isso a seu favor, com o verdadeiro intuito de se tornar Ocean Master.
A injeção de um mau-da-fita secundário, o Black Manta (Yahya Abdul-Mateen II), considero como um bónus para os fãs da DC, já que a fatiota é 100% fiel aos comics, mas irrelevante para a trama. Os seus atos parecem mais próprios de um spin off do Aquaman e se calhar merecia um filme à parte. O pirata desaparece da história tão confusamente como entrou.
O filme está recheado de pontas soltas e uns quantos plot-holes que são difíceis de ignorar. As personagens principais são tão fantasiosas e praticamente invencíveis que não nos estimulam a parte emocional do cérebro. Nem com dinossauros do mundo cinematográfico como William Dafoe ou mesmo Nicole Kidman. Perde a atriz o seu encanto original com tanta caracterização e se havia alguma dúvida antes… Nicole Kidman não combina com filmes de ação. Jason Momoa, com o seu charme de brutamontes que resolve tudo à pancada, abraça o cliché de herói viril e proporciona-nos um bom ratio de momentos shirtless e man-buns. É contrastado pela feminilidade graciosa da sua companheira e princesa estilo Disney, Mera (Amber Heard), que neste filme nos dá uma prestação quase robótica…
O enredo fraquinho é salvo por épicas batalhas de CGI, com destaque para as belas cidades inundadas e animais marinhos formidáveis, sem esquecer a melhor versão de monstro gigante das profundezas que alguma vez vi: Karathen (a quem Julie Andrews, curiosamente, dá voz). Mas apesar de tudo fica a recomendação para quem aprecia esvaziar um bom balde de pipocas e esquecer as monotonias do seu dia-a-dia por pouco mais de duas horas.
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Crítica - Catarina Loureiro
3.0
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